In der Ausstellung „Lyonel Feininger. Retrospektive“ finden ab 27. Oktober einstündige Überblicksführungen mit Informationen zu Werken und dem Konzept der Schau statt, jeweils dienstags um 17 Uhr, mittwochs um 20 Uhr, donnerstags um 19 Uhr, freitags um 11 Uhr, samstags um 15 Uhr sowie sonntags um 11 und 17 Uhr.

Anlässlich des Ehrengastauftritts Sloweniens auf der Frankfurter Buchmesse 2023 präsentiert dir Schirn in ihrer öffentlich zugänglichen Rotunde bis zum 14. Januar 2024 die interaktive Installation LUV BIRDS IN TOTEN WINKELN von MARUŠA SAGADIN (*1978). Beein­flusst durch die Archi­tek­tur­ge­schichte erkun­det die Künstlerin die einem Gebäude oder Ort zugrunde liegen­den sozia­len Aspekte. Ihre Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von privatem und öffentlichem Raum und vereinen Elemente aus Architektur, Skulptur und Malerei. In ihrer ortspezifischen Installation in der Rotunde versammelt Sagadin monumentale Skulpturen aus drei zentralen Werkgruppen, die an Durchgänge, Säulen und Bänke erinnern und von den Besucher*innen durchquert und zum Verweilen genutzt werden können.

Beim Artist Talk mit Book Launch sprechen am Sonntag, dem 22. Oktober, um 11 Uhr die Künstlerin Maruša Saga­din und Kuratorin Marie Oucherif über die Hintergründe der Ausstellung und stellen die begleitende Publikation vor.

Am Dienstag, den 10. und Mittwoch, dem 11. Oktober, jeweils um 19 Uhr findet in der Installation eine Performance von Liina Magnea statt. Die Choreografin und Komponistin kombiniert in einer dynamischen Performance Musik, Bewegung, Filmdramaturgie und Internet-Scrolling zu einem immateriellen Gesamtkunstwerk.

Im Rahmen der monatlichen Veranstaltungsreihe DOUBLE FEATURE lädt die Schirn am Mittwoch, dem 25. Oktober, die Filmkünstlerin Julika Rudelius ein, eine Auswahl aus ihrem eigenen Œuvre sowie einen Film ihrer Wahl zu präsentieren. 

Das gesamte Veranstaltungsprogramm für Oktober 2023 können Sie als PDF-Dokument hier öffnen.

27. OKTOBER 2023 – 18. FEBRUAR 2024
PRESSEVORBESICHTIGUNG: DONNERSTAG, 26. OKTOBER 2023, 11 Uhr

Der deutsch-amerikanische Künstler Lyonel Feininger (1871–1956) ist ein Klassiker der modernen Kunst. Die Schirn Kunsthalle Frankfurt widmet dem bedeutenden Maler und Grafiker die erste große Retrospektive in Deutschland seit über 25 Jahren und zeichnet ein umfassendes und überraschendes Gesamtbild seines Schaffens. Early-Bird-Tickets sind ab sofort online unter schirn.de/shop erhältlich.
 
Bekannt ist Feininger für seine Gemälde von Bauwerken, kristalline Architekturen in beeindruckender Monumentalität und Harmonie der Farben. Jedoch übersieht die heutige Rezeption oft die Originalität und den künstlerischen Facettenreichtum seines Werks, das zahlreiche Tendenzen der Moderne widerspiegelt. Mehrere scheinbar gegenläufige Interessen ziehen sich mit großer Kontinuität durch sein Œuvre und sind Teil seiner Handschrift. Die Schirn präsentiert selten gezeigte Hauptwerke wie Die Radfahrer (Radrennen) (1912), Selbstbildnis (1915), Zirchow VII (1918), Gelmeroda XIII (1936) oder Manhattan I (1940), aber auch weniger bekannte Arbeiten wie die erst vor einigen Jahren wiederentdeckten Fotografien des Künstlers. Schon früh entwickelte Feininger als Grafiker und Karikaturist einen sehr eigenen Stil. Neben zentralen Werken aus der frühen figurativen Phase mit politischen Karikaturen, humorvoll-grotesken Stadtansichten und karnevalesken Figuren beleuchtet die Ausstellung auch seine Rolle als Bauhaus-Lehrer und Meister grafischer Techniken wie Zeichnung und Holzschnitt. Ein besonderer Fokus liegt mit zentralen Arbeiten auf dem US-amerikanischen Exil des Künstlers. Mit rund 160 Gemälden, Zeichnungen, Karikaturen, Aquarellen, Holzschnitten, Fotografien und Objekten zeigt die Ausstellung wichtige Themen und Entwicklungslinien auf, die Feiningers Werk geprägt und unverwechselbar gemacht haben.
 
Für die Präsentation konnte die Schirn bedeutende Leihgaben aus zahlreichen deutschen und internationalen Museen, öffentlichen wie privaten Sammlungen gewinnen und in Frankfurt zusammenführen. Zu den Leihgeber*innen zählen u. a. das Bauhaus-Archiv Berlin, die Harvard Art Museums/Busch-Reisinger Museum, Cambridge, MA, das Museum Lyonel Feininger, Quedlinburg, das Kunstmuseum Basel, The Metropolitan Museum of Art, New York, das Museo de Arte Thyssen-Bornemisza, Madrid, The Museum of Fine Arts, Houston, das Museum Folkwang, Essen, The Museum of Modern Art, New York, die National Gallery of Art, Washington, das Solomon R. Guggenheim Museum, New York, das Sprengel Museum Hannover, die Staatlichen Museen zu Berlin, Nationalgalerie, die Staatsgalerie Stuttgart und das Whitney Museum of American Art, New York.
 
Die Ausstellung „Lyonel Feininger. Retrospektive“ wird gefördert durch die Hessische Kulturstiftung und die Ernst Max von Grunelius-Stiftung. Zusätzliche Unterstützung von der Fraport AG, der Fontana Stiftung und der Georg und Franziska Speyer’schen Hochschulstiftung.
 
Dr. Sebastian Baden, Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt, betont: „Lyonel Feininger gehört zu den bekanntesten Vertretern der klassischen Moderne in Deutschland und dennoch ist die Vielseitigkeit seiner Kunst einem großen Publikum erstaunlich unbekannt. Die große Retrospektive in der Schirn bietet nun eine spektakuläre Neubetrachtung seines gesamten Werkes aus 60 Jahren künstlerischem Schaffen mit bedeutenden und selten gezeigten Leihgaben aus Sammlungen in Europa und den USA. In der einmaligen Zusammenschau wird die Vielseitigkeit seines Gesamtwerks deutlich, das einige Entdeckungen bereithält.“
 
Dr. Ingrid Pfeiffer, Kuratorin der Ausstellung, erläutert: „Lyonel Feiningers herausragendes Gesamtwerk repräsentiert geradezu exemplarisch zahlreiche Strömungen in der Kunst des 20. Jahrhunderts; trotzdem ist es äußerst individuell. Seine künstlerische Entwicklung vollzieht sich nicht linear, sie weist zahlreiche Sprünge und Rückgriffe auf, gleichzeitig werden Feiningers große Themen über alle Medien hinweg und bis ins Spätwerk sichtbar. Sein unabhängiges Denken ist frei von Hierarchien, auch Gegenteiliges und Andersartiges wird zugelassen. Auf den ersten Blick oft ernst, konstruiert und monumental, ist es zugleich ein Werk voller Überraschungen, tiefgründiger Melancholie und spielerischer Leichtigkeit.“
 
RUNDGANG DURCH DIE AUSSTELLUNG
 
Zum Auftakt der großen Retrospektive zeigt die Schirn gezeichnete und gemalte Selbstporträts von Lyonel Feininger, darunter das ausdrucksstarke Selbstbildnis (1915), das 1917 in seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Der Sturm zu sehen war. In der Selbstbetrachtung zeigt sich der Künstler sowohl skeptisch als auch nachdenklich. Nachdem Feininger 1887 aus New York nach Deutschland gekommen war, um in Leipzig Musik zu studieren, entschied er sich schließlich für das Studium der bildenden Künste in Berlin. Erste Erfolge hatte er hier als einer der führenden Karikaturisten und Illustratoren mit Zeichnungen, die seinen besonderen Sinn für Humor erkennen lassen. Für verschiedene Satirezeitschriften und Zeitungen wie Ulk oder Lustige Blätter fertigte er ab 1896 Zeichnungen an und entwickelte für die Chicago Sunday Tribune die Comic-Serien The Kin-der-Kids und Wee Willie Winkie’s World (1906). Auch sein frühes malerisches Werk war figürlich geprägt. Während eines Aufenthalts in Paris entstanden zwischen 1907 und 1911 die sogenannten Karnevals- oder „Mummenschanzbilder“ in einer charakteristischen Farbpalette mit gedämpften Rosés, giftigem Gelb, Nachtblau und Türkis-Grün. Es sind oft isoliert erscheinende, typenhafte Figuren in dramatisch-träumerischen Szenen – Arbeiter, Geistliche, Kinder, Frauen und Männer mit überlangen Gliedmaßen und in extravaganter, aus der Zeit gefallener Mode. In den figurativen Gemälden wie Der weiße Mann (1907) übernahm Feininger die flächigen Kompositionen seiner Karikaturen, experimentierte mit Verfremdungen und erschloss damit eine neue Perspektive des Bildraums.
 
Seine berühmten kristallinen Architekturserien, die bis heute seine bekannteste Werkgruppe bilden, entwickelte Feininger während des Ersten Weltkriegs bis in die 1920er-Jahre. Durch die prismatische Überlagerung der Flächen, die an die Wanderung des Tageslichts erinnert, erhielten die Bilder ein Zeitelement, während die Transparenz geistige Klarheit und Spiritualität verkörpert. Einflussreich für diese Entwicklung war Feiningers Auseinandersetzung mit dem Kubismus, insbesondere mit den lichtdurchfluteten und dynamischen Werken Robert Delaunays, sowie mit den italienischen Futuristen, die sich in seinem Hauptwerk Die Radfahrer (Radrennen) (1912) niederschlug. Feininger legte in seinen prismatisch aufgebrochenen und monumentalen Architekturen besonderen Wert auf einen expressionistischen, innerlich geformten Ausdruck. Statt der Zergliederung und Mehransichtigkeit eines Gegenstandes strebte er nach Konzentration bis ins absolute Extrem. Feininger, der auch Musiker war und selbst komponierte, verglich seine Malerei mit der „Synthese der Fuge“, in der Harmonie und Dissonanz ebenso wie Formstrenge und Rhythmik ihren Platz finden.
 
Bis heute gilt Feininger als einer der bedeutendsten Holzschnittmeister des 20. Jahrhunderts. In einem Zeitraum von nur drei Jahren entstanden zwischen 1918 und 1920 die meisten seiner rund 320 Holzschnitte, darunter die ikonische Kathedrale (großer Stock) (1919), die auf dem Titelblatt des Manifest und Programm des staatlichen Bauhauses in Weimar (1919) abgedruckt ist. 1919 hatte Walter Gropius Feininger als einen der ersten Meister ans Bauhaus berufen, 1921 wurde er dort künstlerischer Direktor der Grafischen Werkstatt. Die Schirn zeigt aus Feiningers umfassendem grafischen Schaffen außerdem Zeichnungen, Radierungen und Lithografien.
 
Die Ausstellung versammelt eine eindrucksvolle Serie von fünf Gemälden aus verschiedenen Phasen von Feiningers umfassender Werkserie Gelmeroda (1913–1955), an der er rund 40 Jahre lang immer wieder arbeitete, dazu eine Zeichnung, mehrere Holzschnitte und eine Lithografie. An ihr lässt sich besonders Feiningers Begeisterung für historisch gewachsene, romantische Architektur nachvollziehen. Seine Entwicklung ist dabei keineswegs linear und umfasst kristallin-expressionistische und bewegte Versionen wie Gelmeroda II (1913) und zugleich majestätische Darstellungen mit nach oben strebendem Grundmotiv in kühlem Blaugrün wie in Gelmeroda VIII (1921). Eine ebenfalls intensive künstlerische Auseinandersetzung verfolgte Feininger mit der durch Altstadthäuser und mächtige Sakralbauten geprägten Stadt Halle. Die Schirn zeigt aus der Werkgruppe, die zwischen 1929 und 1931 entstand, Marienkirche mit dem Pfeil (1930) und Der Dom in Halle (1931) sowie Kohlezeichnungen, Skizzen und Fotografien, die er bei seinen Streifzügen durch die Stadt angefertigt hatte. Feiningers künstlerische Herangehensweise an seine Motive basierte in beiden Serien auf zahlreichen skizzenhaften Vorzeichnungen, seinen „Natur-Notizen“, mit denen er sich seinem Motiv annäherte, bevor er es im Gemälde umsetzte.
 
Feininger setzte sich Ende der 1920er-Jahre verstärkt mit Fotografie auseinander, obwohl er dem Medium lange kritisch gegenüberstand, und hinterließ ein vor Kurzem wiederentdecktes Konvolut von insgesamt rund 20.000 Foto-Objekten. Die Schirn zeigt Fotografien und Diapositive des Künstlers, die zentrale Motive wie (Schaufenster-)Figuren, Lokomotiven und Architektur aufgreifen. Das Bauhaus in Dessau fotografierte er nachts in geheimnisvollem Licht, anders als jede andere Bauhaus-Fotografie. Das Medium diente Feininger als weiteres Experimentierfeld für Bildeffekte wie Hell-Dunkel-Kontraste, Schatten und Formspiele sowie Unschärfen, die an rhythmisierende Elemente in seinen Gemälden erinnern.
 
Feiningers Holzspielzeuge gehören, wie seine Karikaturen und Comics, untrennbar zu seinem Gesamtwerk. Ab 1913 arbeitete er an Lokomotiven aus buntem Hartholz, die als Spielzeuge in Serie produziert werden sollten, ein Plan, der aufgrund des Ersten Weltkriegs nicht realisiert werden konnte. Mit Die Stadt am Ende der Welt (1925–1955) kreierte er eine Spielzeugstadt aus Holz, die sein Interesse für historische Häuser und Kirchen aufgreift und auf den Roman Die andere Seite (1908) seines Freundes Alfred Kubin zurückgeht.
 
Ein wiederkehrendes Thema in Feiningers Werk sind die Seestücke. Schon als Kind in New York hatten ihn die Dampfer und Segelboote auf dem Hudson River fasziniert, und in Deutschland boten ihm die jährlichen Aufenthalte an der Ostsee Anregungen für weitere Motive. Neben fast abstrakten Strandbildern mit puppenartigen Figuren und kubistisch zerlegten Flächen wie Badende (am Strand I) (1912) entstanden dramatische mystische Gemälde wie Leviathan (Dampfer Odin I) (1917). Die menschenleeren, transparenten Seebilder, die er ab den 1920er-Jahren bis ins Spätwerk in den USA malte, stellen neben den kristallinen Architekturen Feiningers zweite bekannte Werkgruppe dar. Ähnlich wie in den Kirchenbildern suchte er hier in der Natur nach Metaphern für innerliche Erfahrungen mit Referenzen zur Romantik. Geheimnisvolle Leere, Einsamkeit, subtile Erlebnisse mit Licht, Raum und Wolken sind wiederkehrende Themen wie in Stiller Tag am Meer III (1929) oder Dünen am Abend (1936), die an Caspar David Friedrichs Gemälde Mönch am Meer (1908-1810) oder William Turners Seebilder erinnern.
 
Kontinuität und gegenläufige Tendenzen setzen sich in Feiningers Spätwerk fort. 1937 floh der Künstler mit seiner jüdischen Ehefrau Julia nach fast 50 Jahren aus dem nationalsozialistischen Deutschland ins US-amerikanische Exil. Seine Kunst wurde in der Ausstellung „Entartete Kunst“ öffentlich diffamiert und über 400 Werke wurden aus öffentlichen Sammlungen konfisziert. In New York gelang Feininger nach zwei Jahren die Rückkehr zur Malerei. Er griff mithilfe seiner „Natur-Notizen“ auf frühere Motive in neuem Stil zurück und übertrug zentrale Kompositionen wie die Gebäudeschluchten aus Barfüsserkirche II (1926) oder aus den Fotografien aus Halle auf seine neue Umgebung, so etwa in der Serie der New-York-Bilder wie Manhattan I (1940). Feiningers frühe Tendenz, fast, aber nicht ganz abstrakt zu arbeiten, steigerte sich in seinem Spätwerk, besonders in der Serie der New Yorker Hochhäuser. Dies gilt auch für die Fotografie, die sich mehr als zuvor am Abstrakten orientiert. Feininger beschäftigte sich verstärkt mit farbigen Diapositiven und griff bekannte Motive und Kompositionen aus seinem Werk wieder auf. Anknüpfend an sein Gemälde Glasscherbenbild (1927) experimentierte er mit sich überlagernden Glasscherben und Lichtphänomenen, die durch die Projektion des Diapositivs auf einer weiteren visuellen Ebene fortgesetzt wurden.
Wenige Jahre vor seinem Tod in New York entstanden die Ghosties, eine humorvolle Serie von aquarellierten Tuschzeichnungen. Sie greifen die befreiten Linien seines Spätwerks auf und bilden ähnlich wie seine Karikaturen und Holzspielzeuge in ihrer spielerischen Leichtigkeit einen spannungsreichen Kontrast zu seinen monumentalen Architekturgemälden.
 
KATALOG LYONEL FEININGER. RETROSPEKTIVE herausgegeben von Ingrid Pfeiffer, mit Beiträgen von Ute Ackermann, Sebastian Ehlert, Anna Huber, Gloria Köpnick, Franziska Lampe, Barbara Leven, Achim Moeller und Ingrid Pfeiffer sowie einem Vorwort des Direktors der Schirn Kunsthalle Frankfurt Sebastian Baden, deutsche und englische Ausgabe, 272 Seiten, ca. 220 Abbildungen, 24 x 29 cm, Hardcover, Hirmer Verlag, ISBN 978-7774-4177-1 (deutsche Ausgabe), 978-7774-4178-8 (englische Ausgabe), 39 € (Schirn), 49,90 € (Buchhandel).
 
DIGITORIAL® Zur Ausstellung bietet die Schirn ein Digitorial® an, das mit wissenswerten Hintergründen, kunst- und kulturhistorischen Kontexten und wesentlichen Ausstellungsinhalten Einblicke in die künstlerische Welt von Lyonel Feininger gibt. Das kostenfreie digitale Vermittlungsangebot ist in deutscher sowie englischer Sprache ab Oktober abrufbar unter schirn.de/digitorial.
 
BEGLEITHEFT LYONEL FEININGER. RETROSPEKTIVE. Eine Einführung in die Ausstellung, herausgegeben von der Schirn Kunsthalle Frankfurt. Auf ca. 40 Seiten werden die wichtigsten Werke der Ausstellung vorgestellt und die kulturhistorischen und gesellschaftlichen Zusammenhänge dargelegt. Ab 12 Jahren. Preis: 7,50 € einzeln, im Klassensatz 1 € pro Heft (ab 15 Stück).­ORT SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, Römerberg, 60311 Frankfurt am Main DAUER 27. Oktober 2023 – 18. Februar 2024 INFORMATION schirn.de E-MAIL welcome@schirn.de TELEFON +49 69 29 98 82-0 EARLY-BIRD-ONLINETICKET ab sofort im Onlineshop unter schirn.de/shop, erhältlich für 10 €, begrenztes Kontingent REGULÄRE TICKETS Der reguläre Ticketverkauf startet ab Oktober im Onlineshop unter schirn.de/shop und an der Schirn Kasse EINTRITT Wochenende 14 €, ermäßigt 12 €, wochentags 12 €, ermäßigt 10 €, freier Eintritt für Kinder unter 8 Jahren ÖFFNUNGSZEITEN Di, Fr bis So 10-19 Uhr, Mi und Do 10-22 Uhr INDIVDUELLE FÜHRUNGEN BUCHEN Individuelle Führungen oder Gruppenbuchungen sind buchbar unter fuehrungen@schirn.de INFORMATIONEN ZU IHREM BESUCH Alle Informationen zu Ihrem Besuch finden Sie unter schirn.de/besuch/faq KURATORIN Dr. Ingrid Pfeiffer KURATORISCHE ASSISTENZ Anna Huber MEDIENPARTNER Frankfurter Allgemeine Zeitung, VGF KULTURPARTNER hr2 GEFÖRDERT DURCH Hessische Kulturstiftung, Ernst Max von Grunelius-Stiftung ZUSÄTZLICHE UNTERSTÜTZUNG VON Fraport AG, Fontana Stiftung, Georg und Franziska Speyer’sche Hochschulstiftung­HASHTAGS #FEININGER #SCHIRN FACEBOOK, TWITTER, YOUTUBE, INSTAGRAM, PINTEREST, SCHIRN MAGAZIN schirn.de/magazin

Die Ausstellung „Maruša Sagadin. Luv Birds in toten Winkeln“ wird gefördert durch das Slowenische Kulturministerium und SKICA Berlin – Slowenisches Kulturzentrum Berlin im Rahmen von Sloweniens Ehrengastauftritt auf der Frankfurter Buchmesse 2023 sowie von den SCHIRN ZEITGENOSSEN.

Dr. Sebastian Baden, Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt, erläutert: „Mit ihrer eigens für die Schirn-Rotunde geschaffenen Installation lädt Maruša Sagadin dazu ein, den öffentlichen Raum neu zu betrachten und zu besetzen. Der Künstlerin ist es ein Anliegen, mit ihren Skulpturen Infrastrukturen zu schaffen, die ohne Bedingungen funktionieren und somit neue Formen der Zugänglichkeit und Interaktion ermöglichen. Damit setzt Sagadin wichtige Impulse, um diskursive Festschreibungen zu hinterfragen. Ihre Kunst eröffnet neue Perspektiven auf unser Stadtbild wie auch auf Körperlichkeit, Kommunikation und Teilhabe in der Gesellschaft.“

Marie Oucherif, Kuratorin der Ausstellung, betont: „In ihren Arbeiten beschäftigt sich Maruša Sagadin mit Fragen zu Raumentwürfen, Bildhauerei und Feminismus. Diese drei Elemente vereint die Installation in der Rotunde der Schirn und regt damit zum Nachdenken über soziale und geschlechtliche Ungleichheiten an, die in den öffentlichen Stadtraum eingeschrieben sind. Nichtsdestotrotz geschieht dies immer mit einem Augenzwingern – Sagadins Werke verbinden Leichtigkeit und Freude mit tiefgründiger Reflexion.“

Mit dem toten Winkel als gedanklichem Ausgangspunkt ihrer Installation in der Rotunde der Schirn nimmt Sagadin Widersprüchlichkeiten in den Blick, die im Stadtraum sekundären Architekturen wie Treppen, Gehsteigkanten oder Häuserfluchten innewohnen. So können tote Winkel per Definition schwer einsehbar, gefährlich oder hinderlich sein, gleichzeitig aber auch als Orte des Rückzugs, Ausruhens oder Versteckens genutzt werden. Mit „Luv Birds in toten Winkeln“ verweist die Künstlerin auf Orte in der Peripherie unseres Blicks und die Möglichkeit, ihnen neue Bedeutungen zuzuschreiben. Ihre Skulpturen aus Holz, Beton und Karton vermitteln durch ihre kulissenhafte Anmutung, bunte Farben, cartooneske Elemente und ausufernde Formen eine Zugänglichkeit, die zu einer unmittelbaren Interaktion einlädt. Die humorvollen Titel der Arbeiten wirken dabei oft wie parodierte Sprichwörter, die spielerisch den Bruch zwischen Sprache und Zuordnung aufzeigen. Wiederkehrende Elemente in Sagadins Werken sind stilisierte Körperformen, die Intimität erzeugen: So treten etwa die vier eigens für die Ausstellung entstandenen Arbeiten Luv Bird (Noses), Luv Birds (Tongues), Luv Bird (Belly) und Schlechter Witz (alle 2023) durch überproportionierte Körperteile in direkte Beziehung mit den Betrachter*innen. Riesige Nasen, leckende Zungen oder ein rundlicher Bauch widersetzen sich zudem konventionellen Zuschreibungen und fragen danach, wann Körper(teile) aus der sie umgebenden Norm fallen. Andere Arbeiten wie Paravent (2022) oder Nasse Füsse (2022) unterbrechen die gewohnten Durchgänge durch die Rotunde, sie schaffen Zwischenräume für alternative Perspektiven und eröffnen neue Wege durch den Raum. Daneben bieten die skulpturalen Bänke Selbe Schuhe, andere Wohnung (Luisa), Schlechte Laune ohne Kiosk und Küche (Juliana) oder Summer (alle 2020) an, auf ihnen zu verweilen und wie auf gemütlicheren Gehsteigkanten zu sitzen. Damit rebellieren sie gegen die traditionelle Vorstellung einer aktiv-rationalen Kunstrezeption, die aufrechten Körpern vorbehalten ist. Gleichzeitig fordern sie zu einer kritischen Auseinandersetzung mit etablierten Formen der Kunstbetrachtung auf, indem sie zur ästhetischen Betrachtung im Ruhen anleiten.

Maruša Sagadin (*1978, Ljubljana) lebt und arbeitet in Wien. Sie studierte Architektur an der Technischen Universität Graz sowie Performative Kunst und Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste Wien. Sie wurde in internationalen Institutionen in bedeutenden Gruppen- und Einzelausstellungen präsentiert, darunter das MAK Center for Art and Architecture, Mackey Apartments Garage Top, Los Angeles (2022); die Cukrarna Gallery, Ljubljana (2022); die Hobusepea Gallery, Tallin (2021); das Belvedere 21, Wien (2021); das Künstlerhaus, Halle für Kunst und Medien, Graz (2018); die Secession, Wien (2018) und der SPACE, London (2016).

Die Ausstellung wird gefördert durch die SCHIRN ZEITGENOSSEN, einem Kreis privater Förderer junger Kunst an der Schirn Kunsthalle Frankfurt. Die Schirn dankt Jan Bauer und Lena Wallenhorst, Jochen und Anja Baumann, Olaf Gerber und Nicole Emmerling de Oliveira, Markus Hammer und Birgit Heller, Philip Holzer, Björn Robens, Reiner Sachs und Brigitta Bailly sowie Julia Schönbohm und Ralf Böckle für ihr Engagement.

In der Rotunde der Schirn wurden bereits zeitgenössische Positionen unter anderem von Monster Chetwynd (2023), Amna Elhassan (2022), Carlos Bunga (2022), Caroline Monnet (2020), Karla Black (2019), Maria Loboda, Neϊl Beloufa (2018), Philipp Fürhofer, Lena Henke (2017), Rosa Barba, Peter Halley (2016), Heather Phillipson, Alicja Kwade (2015), Andreas Schulze (2014), Yoko Ono (2013), Bettina Pousttchi (2012), Barbara Kruger (2010), Eva Grubinger (2007), Jan De Cock (2005), Ayşe Erkmen und Ólafur Eliasson (2004) präsentiert.

KATALOG Maruša Sagadin. Luv Birds in toten Winkeln herausgegeben von Marie Oucherif, mit einem Beitrag von Marie Oucherif sowie einem Vorwort des Direktors der Schirn Kunsthalle Frankfurt Sebastian Baden, deutsch-englische Ausgabe, 44 Seiten, ca. 20 Abbildungen, 22 × 28,5 cm, Broschur, figürlich ausgestanzt, Verlag Kettler, ISBN 978-3-98741-063-5, 15 € (Schirn), 20 € (Buchhandel)

ERÖFFNUNG DER AUSSTELLUNG Die Ausstellung „Luv Birds in toten Winkeln“ wird am 21. September 2023 um 19 Uhr mit DJ Anásta von Ustanova Plattform (Ljubljana) eröffnet. Die Künstlerin Maruša Sagadin ist anwesend.

PERFORMANCE VON LIINA MAGNEA Am 10. und 11. Oktober 2023, jeweils um 19 Uhr, kombiniert Liina Magnea (*1991) in einer dynamischen Performance in der Installation Musik, Bewegung, Filmdramaturgie und Internet-Scrolling zu einem immateriellen Gesamtkunstwerk.

ARTIST TALK MIT BOOK LAUNCH Am 22. Oktober 2023 um 11 Uhr sprechen Maruša Sagadin und Kuratorin Marie Oucherif über die Hintergründe der Ausstellung und stellen die begleitende Publikation vor.­ORT SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, Römerberg, 60311 Frankfurt am Main DAUER 21. September 2023 – 14. Januar 2024 EINTRITT frei INFORMATION www.schirn.de E-MAIL welcome@schirn.de TELEFON +49.69.29 98 82-0 KURATORIN Marie Oucherif GEFÖRDERT DURCH das Slowenische Kulturministerium und SKICA Berlin – Slowenisches Kulturzentrum Berlin im Rahmen von Sloweniens Ehrengastauftritt auf der Frankfurter Buchmesse 2023 sowie von den SCHIRN ZEITGENOSSEN­HASHTAGS #MARUSASAGADIN #SCHIRN FACEBOOK, TWITTER, YOUTUBE, INSTAGRAM, PINTEREST, SCHIRN MAGAZIN www.schirn.de/magazin­­

Die Reihe DOUBLE FEATURE wird am 27. September 2023 mit der Künstlerin Pınar Öğrenci fortgesetzt.­ORT SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, Römerberg, 60311 Frankfurt am Main DATUM Mittwoch, 30. August 2023, Einlass 19.00 Uhr, Beginn 19.30 Uhr EINTRITT frei, ohne Anmeldung DOUBLE FEATURE-KURATORIN Julia Schaake INFORMATION www.schirn.de E-MAIL welcome@schirn.de TELEFON +49.69.29 98 82-0 ­HASHTAGS #DOUBLEFEATURE #SCHIRN FACEBOOK, TWITTER, YOUTUBE, INSTAGRAM, PINTEREST, TIKTOK, SCHIRN MAGAZIN Video Art auf www.schirn.de/magazin

MITTWOCH, 30. AUGUST 2023, EINLASS 19 UHR, BEGINN 19.30 UHR
SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, EINTRITT FREI, OHNE ANMELDUNG
DIE KÜNSTLERIN IST ANWESEND.­­­

MITTWOCH, 9., 16. UND 23. AUGUST 2023, AB 19 UHR
EINTRITT FREI IM AUSSENBEREICH
TICKETS FÜR DIE AUSSTELLUNGEN UNTER SCHIRN.DE/SHOP ODER AN DER SCHIRN KASSE, TEILNAHME AN FÜHRUNG MIT GÜLTIGEM AUSSTELLUNGSTICKET­Im August lädt die Schirn Kunsthalle Frankfurt an drei Terminen zu den beliebten SUMMER HANGOUTS ein. Jeweils am Mittwoch, dem 9., 16. und 23. August, kann dabei in entspannter Atmosphäre auf den Treppen vor der Schirn Live-Musik (ab 20 Uhr) gelauscht werden. Zu den SUMMER HANGOUTS bietet die Schirn um 19 Uhr öffentliche Führungen durch die aktuellen Ausstellungen „Plastic World“ und „Martha Rosler. In one way or another“ an. Badias Catering serviert zudem eine Auswahl an Snacks und leckeren Drinks.

BABY SHOO ENT. presents NI-KA feat. FRANKFURT FUNK
Mittwoch, 9. August
Soul and R’n’B meets Funk: Beim ersten Termin der SUMMER HANGOUTS lässt Be Shoo, die Frankfurter Gründerin der Plattform BABY SHOO ENT., Soul-Musik von NI-KA auf Funk-Beats von Frankfurt Funk treffen. Shoo ist Managerin, Choreografin, Beatboxerin, Host und DJ. Die ehemalige Gospelsängerin NI-KA wurde in den Neunzigern geboren und von den größten Künstler*innen der 1980er-Jahre beeinflusst. Ihre Vision ist es, Soul-Musik zurück nach Deutschland zu bringen – auf Deutsch. Unter dem Namen Frankfurt Funk begann Christopher Neal im Jahr 2008 eigene G-Funk-Beats zu produzieren und ist bis heute aktiv als MC, Produzent, Veranstalter und DJ.
 
OG LU
Mittwoch, 16. August
Die Rapperin und Newcomerin OG LU ist in Frankfurt am Main geboren und aufgewachsen. Seit 2022 macht sie Deutschrap mit tiefer markanter Stimme und provokanten politischen Lines. Ihre Geschichte als Rebellin in der Bankenstadt erzählt ihre erste EP Wer’s Lu?, die sie im November 2022 veröffentlichte. Es folgten die zwei Solo-Singles UPS und Namajunas sowie 2023 das in Kollaboration mit Tubab und Gigi Schnabib entstandene Album GAUNERS. OG LU trat bereits u. a. auf dem SPLASH Festival mit GG Vybe auf.
 
Luis Ake
Mittwoch, 23. August
Luis Ake lebt und arbeitet zwischen Frankreich und Berlin und gab 2019 mit Bitte Lass Mich Frei sein Debüt. Er bewegt sich durch die imaginären Grenzen zwischen Genres und kreuzt sie, sodass Synth Pop und Dark Wave auf Italo Disco und Neue Deutsche Welle treffen. Der Künstler spielte bereits über fünfzig Konzerte in ganz Europa, dabei teilte er Bühnen u. a. mit Agar Agar, Molchat Doma und Thurston Moore.
 
DIE AUSSTELLUNGEN
 
PLASTIC WORLD
bis 1. OKTOBER 2023
Plastik ist überall: Es durchdringt die Gegenwart, ist billig, nahezu weltweit verfügbar und im Alltag omnipräsent. In den 1950er-Jahren wurden synthetische Stoffe zum Symptom und Symbol der Massenkultur – das „Plastic Age“ war geboren. Und auch in die Kunst fanden Kunststoffe aufgrund ihrer immensen gestalterischen Möglichkeiten früh Einzug und wurden schnell zu einem zentralen Material. Die Ausstellung „Plastic World“ eröffnet das breite Panorama der künstlerischen Verwen­dung und Bewertung des Materials von den 1960er-Jahren bis heute. Das Spektrum reicht von der Euphorie der Popkultur über den futuristischen Einfluss des Space Age und die Trash-Arbeiten des Nouveau Réalisme bis zu ökokritischen Positionen der jüngsten Zeit; es umfasst Architekturutopien ebenso wie Experimente mit Materialeigenschaften. Objekte, Assemblagen, Installationen, Filme und Dokumentationen zeigen die Vielfalt der Stoffe, Formen und Materialien und spiegeln dabei auch den jeweiligen gesellschaftlichen Kontext.  
 
MARTHA ROSLER. IN ONE WAY OR ANOTHER
BIS 24. SEPTEMBER 2023
Mit der Radikalität ihrer künstlerischen Position beeinflusst Martha Rosler seit Jahrzehnten viele zeit­genössische Künstler*innen. Die Schirn Kunsthalle Frankfurt widmet der US-amerikanischen Konzeptkünstlerin und Pionierin des kritischen Feminismus bis zum 24. September 2023 eine fokussierte Einzelausstellung. Roslers politisches Werk befasst sich mit Fragen von Macht, Gewalt und sozialer Ungerechtigkeit, mit Kriegsberichterstattung sowie mit gesellschaftlich veranker­ten Frauenbildern und deren Dekonstruktion. Für ihre gesellschaftskritischen Fotomontagen und Videos nutzt sie vielfältige Medien wie Fotografie, Text oder raumgreifende Installationen.

­ORT SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, Römerberg, 60311 Frankfurt am Main DATUM Mittwoch, 9., 16., 23. August 2023, ab 19 Uhr EINTRITT SCHIRN SUMMER HANGOUTS frei im Außenbereich, ohne Anmeldung EINTRITT AUSSTELLUNGEN 6 € bzw. 12 € pro Person inkl. Führung, Tickets im Onlineshop unter schirn.de/shop oder an der Schirn Kasse INFORMATION schirn.de E-MAIL welcome@schirn.de TELEFON +49.69.29 98 82-0 

­HASHTAGS #PLASTICWORLD #MARTHAROSLER #SCHIRNHANGOUT #SCHIRN FACEBOOK, TWITTER, YOUTUBE, INSTAGRAM, PINTEREST, TIKTOK, SCHIRN MAGAZIN schirn.de/magazin SCHIRN MAGAZIN NEWS ausgewählte Artikel, Filme und Podcasts direkt als Nachricht empfangen, abonnieren unter schirn.de/magazin/news

Die Reihe wird am Mittwoch, dem 26. Juli, mit Marianna Simnett, am Mittwoch, dem 30. August, mit Christin Berg und am Mittwoch, dem 27. September, mit Pınar Öğrenci fortgesetzt.
 
Das Videoformat DOUBLE FEATURE INTERVIEWS begleitet die Reihe. Die Künstler*innen geben darin Einblick in ihren Arbeitsprozess und ihre jeweiligen Werke oder Ausstellungen. Die Gespräche mit bisher beteiligten Künstler*innen wie Bani Abidi, Rosa Aiello, James Gregory Atkinson, Alexandra Bachzetsis, Gerard Byrne, Thomas Bayrle, Pauline Curnier Jardin, Hannah Perry, Aleksandar Radan, Jovana Reisinger, Lili Reynaud-Dewar, Maya Schweizer oder John Skoog sind über den YouTube-Kanal der Schirn abrufbar. Das SCHIRN MAGAZIN begleitet die Reihe DOUBLE FEATURE redaktionell.

DOUBLE FEATURE MIT MARIANNA SIMNETT
MITTWOCH, 26. JULI 2023, EINLASS 19 UHR, BEGINN 19.30 UHR
SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, EINTRITT FREI, OHNE ANMELDUNG
DIE KÜNSTLERIN IST ANWESEND.
 
Die Künstlerin Marianna Simnett verwendet in ihrer multidisziplinären Arbeit lebendige und viszerale Mittel, um den Körper als einen Ort der Transformation zu erforschen. Ihre auf Fantasie gestützten und psychologisch aufgeladenen Filme verbinden Mythologie und das moderne Leben und untersuchen dabei auch die Allgegenwärtigkeit von Gewalt. Ihre selbstreflexive filmische Praxis ist von Provokationen und schwarzem Humor durchsetzt. In der Schirn präsentiert Simnett ihre zwei Kurzfilme The Severed Tail (2022, 22 Min.) und Prayers for Roadkill (2022, 6 Min.). The Severed Tail erzählt die Geschichte eines verstümmelten Ferkels auf der Reise durch verschiedene Fetischwelten und wechselt dabei zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Darsteller*innen. Das Werk erforscht die Unterschiede zwischen den Arten und plädiert für Hybridität als grundlegenden Zustand des Seins. Der Titel der zweiten Arbeit Prayers for Roadkill geht auf eine Zeile im Tagebuch der Konzeptkünstlerin Adrian Pipers zurück, in der sie ihre Empathie und Faszination für die Mikrogewalt zum Ausdruck bringt, die sich unter den Rädern eines Autos abspielt. Um die Charaktere in ihrem Film zu erschaffen, reanimiert Simnett wortwörtlich überfahrene Tiere und nutzt sie symbolisch, um einige der dunkelsten und grundlegendsten Aspekte des Menschseins auszuloten. Durch die Verwendung der Stop-Motion-Technik und hybriden Mensch-Tier-Skulpturen bedient sie sich der Ästhetik alter Kinderfernsehprogramme, um die emotionalen und materiellen Verstrickungen von Liebe und Grausamkeit zu erkunden.
 
Nach einem Gespräch mit DOUBLE FEATURE-Kuratorin Anna Huber zeigt Simnett die Stummfilmkomödie Go West (1925, 69 Min.) von Regisseur und Schauspieler Buster Keaton. Die Westernparodie erzählt die Geschichte eines New Yorkers, der in der Stadt keine Arbeit findet und deshalb sein Glück auf dem Land sucht. Er heuert schließlich ohne jegliche Vorkenntnisse als Cowboy auf einer Rinderfarm an. Der Komik-Klassiker greift auch Motive der Filme von Charlie Chaplin auf.
 
Marianna Simnett (*1986) lebt und arbeitet in Berlin. Ihre neuesten Arbeiten wurden in der Société, Berlin (2022), auf der 59. Biennale von Venedig (2022) und im Castello di Rivoli, Turin (2022) uraufgeführt. Simnett hat in zahlreichen renommierten Institutionen ausgestellt, darunter die Sammlung Julia Stoschek, Berlin (2021), das Institute of Modern Art, Brisbane (2020); die Kunsthalle Zürich (2019), das Frans Hals Museum, Haarlem (2019); Copenhagen Contemporary (2018); das New Museum, New York (2018) und das Museum für Moderne Kunst, Frankfurt (2018).
 
DOUBLE FEATURE MIT CHRISTIN BERG
MITTWOCH, 30. AUGUST 2023, EINLASS 19 UHR, BEGINN 19.30 UHR
SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, EINTRITT FREI, OHNE ANMELDUNG
DIE KÜNSTLERIN IST ANWESEND.
 
Die Filmregisseurin, Produzentin und Drehbuchautorin Christin Berg beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit urbanen Räumen und entlegenen Naturgebieten, anhand derer sie die paradoxen Zustände des Menschen untersucht. In der Schirn zeigt sie ihren Film Beyond the Now (2022, 19 Min.). Die Arbeit vereint im Kurzfilmformat Reflexionen über Umweltzerstörung, Verlust von Empathie und soziale Sprachlosigkeit. Beyond the Now spielt zeitlich zwischen dem Jetzt und einer Zukunft und veranschaulicht die Diskrepanz zwischen dem Bestehenden und einer vergangenen Hoffnung. Den Ausgangspunkt der Arbeit bilden landschaftliche Panorama-Aufnahmen, die zwar von Drohnen aufgenommen wurden, doch zugleich Erinnerungen an die romantische Verehrung der Naturerhabenheit wecken. Indem der Film zunehmend Menschen ins Bild setzt, richtet er seinen Fokus auf die Spuren, die unsere Gesellschaft in der Natur hinterlässt. Ein Szenenwechsel in eine Bar, in der zwei Frauen eine nonverbale Performance vollziehen, verweist auf die Gegenwart, in der Sprachlosigkeit sowie Resignation die Auseinandersetzung mit dem Klimawandel und medialen Katastrophenbildern dominieren. Zugleich symbolisiert die Darbietung der Protagonistinnen den Kreislauf von Geburt, Wachstum, Dekonstruktion und Tod und kennzeichnet den Menschen als natürliches Wesen.
 
Nach einem Gespräch mit DOUBLE FEATURE-Kuratorin Julia Schaake präsentiert Berg Princess Mononoke (1997, 128 Min.) von Hayao Mizaki. Der japanische Zeichentrickfilm wurde mit dem Studio Ghibli realisiert und thematisiert Umweltzerstörung und Disharmonien zwischen Mensch und Natur. Auf der Suche nach einem Heilmittel für einen tödlichen Fluch, findet sich ein Prinz inmitten eines Kampfes wieder. Dieser wird zwischen den Bewohner*innen eines Bergbaudorfs und den Tieren und Tiergöttern des Waldes ausgetragen. Unterstützung finden die Wesen des Waldes bei San, einem unter Wölfen lebenden Mädchen, das auch dem jungen Prinzen zu Hilfe eilt und ihn mit den Wesen und Göttern des Waldes vertraut macht. Princess Mononoke zeigt eine starke weibliche Hauptrolle und eröffnet eine magische Welt abseits eines rationalen Verständnisses.
 
Christin Berg (*1982) lebt in Berlin und Paris. Ihr Studium absolvierte sie an der University of Applied Sciences and Arts in Hannover und an der Slade School of Fine Art in London. Als Meisterschülerin von Douglas Gordon beendete sie ihr Studium an der Städelschule Frankfurt. Gezeigt wurden ihre Arbeiten u. a. in der Cité internationale des artes Paris (2019 und 2020), dem Musèe du Louvre (2020), Paris, und der Kunsthalle Hamburg (2017).

DOUBLE FEATURE MIT PINAR ÖĞRENCI
MITTWOCH, 27. SEPTEMBER 2023, EINLASS 19 UHR, BEGINN 19.30 UHR
SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, EINTRITT FREI, OHNE ANMELDUNG
DIE KÜNSTLERIN IST ANWESEND.
 
Die Arbeiten der Künstlerin und Filmemacherin Pınar Öğrenci erforschen materielle Kulturen im Zusammenhang mit erzwungener Vertreibung in verschiedenen Gebieten. In der Schirn präsentiert sie ihren Film Aşît (2022, 60 Min.), den sie im Rahmen der documenta fifteen realisiert hat. In Aşît verfolgt Öğrenci verschiedene Migrationsursachen im Heimatort ihres Vaters in einer Bergregion in der kurdischen Region Van im Osten der Türkei. Der Titel, der auf Kurdisch „Lawine“ oder „Katastrophe“ bedeutet, bezieht sich sowohl auf eine die Berggemeinde bedrohende Lawine als auch auf „Medz Yeghern“, den wörtlich als „Große Katastrophe“ bezeichneten Genozid an der armenischen Bevölkerung im Osmanischen Reich ab 1915. Die Künstlerin nutzt mündliche Überlieferungen, Fotoarchive und aktuelle Aufnahmen des Gebiets, um die Spuren und Traumata in Landschaft, Bräuchen und Erinnerungen aufzudecken. So werden etwa die eindrucksvollen Landschaftsbilder unterlegt mit Liedern, die der 1918 aus Van geflohene armenische Musiker Hayrik Muradian in seiner Heimat gesammelt hat. Aşît ist mitunter inspiriert von Stefan Zweigs Schachnovelle aus dem Jahr 1941, ein psychologischer Thriller, den der Autor als letztes Werk vor seinem Tod im Exil schrieb. Darin wird das geistige Schachspiel eines Gefangenen zur Überlebensstrategie unter faschistischer Herrschaft.
 
Nach einem Gespräch mit DOUBLE FEATURE-Kuratorin Marie Oucherif präsentiert Öğrenci den Film Close-up (1990, 98 Min.) des iranischen Filmemachers Abbas Kiarostami. Das Werk ist ein Hybrid aus fiktivem Spielfilm und Dokumentation und basiert auf einem Bericht über die Verhaftung des arbeitslosen Druckers und Cineasten Sabzian, der sich bei einer reichen Familie als der berühmte Filmregisseur Mohsen Makhmalbaf ausgegeben haben soll. Kiarostami gibt bei der Darstellung des Geschehens die Handlung nicht direkt und chronologisch wieder, sondern arbeitet mit Rückblenden, unerwarteten Verzögerungen und Perspektivwechseln. Teile der Handlung spielen die realen Akteure des Falls selbst nach.
 
Pınar Öğrenci (*1973) lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Kunstinstitutionen gezeigt, u. a. der Berlinischen Galerie (2023); auf der documenta fifteen, Kassel (2022); im Times Art Center, Berlin (2021); bei SAVVY Contemporary, Berlin (2019); auf der Art Encounters Biennial, Timișoara (2019); der Gwangju Biennale (2018); der Athens Biennale (2018); in der Tensta Konsthall, Stockholm (2018); dem Istanbuler Off-Site-Projekt für die Sharjah Biennial 13 (2017); im MAXXI Museum, Rom (2015); sowie bei SALT Galata, Istanbul (2015) und Depo, Istanbul (2014). Ihre erste Einzelausstellung außerhalb Deutschlands fand 2017 im Kunst Haus Wien – Museum Hundertwasser statt.­

ORT SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, Römerberg, 60311 Frankfurt am Main DATUM Mittwochs, 26. Juli, 30. August, 27. September 2023, Einlass 19.00 Uhr, Beginn 19.30 Uhr  EINTRITT frei, ohne Anmeldung DOUBLE FEATURE-KURATORINNEN Anna Huber, Julia Schaake, Marie Oucherif INFORMATION www.schirn.de E-MAIL welcome@schirn.de TELEFON +49.69.29 98 82-0 ­

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Sebastian Baden, Direktor der Schirn, betont: „Niki de Saint Phalle und Marc Chagall in direkter Abfolge hintereinander in der Schirn präsentieren zu können, war ein einmaliges Ereignis. Dem engagierten Schirn Team ist es gelungen, zwei hochattraktive künstlerische Positionen einem großen Publikum zu vermitteln und dabei die weniger bekannten politischen und gesellschaftskritischen Aspekte ihres Schaffens vorzustellen. Es wurden aktuelle Fragestellungen aufgegriffen und mit einer breiten Öffentlichkeit diskutiert. Uns allen war es eine besondere Freude, so viele begeisterte Gäste hier im Haus begrüßen zu dürfen – für diesen Erfolg möchte ich allen Beteiligten, unseren Leihgebern, Partnern und Förderern sowie dem gesamten Team der Schirn von Herzen danken.“

Der Erfolg der Ausstellung „Niki de Saint Phalle“ zeigt sich – wie bereits bei „Chagall. Welt in Aufruhr“ – zudem in der großen Nachfrage nach den umfangreichen Bildungs- und Vermittlungsangeboten zur Schau. Die begleitenden Veranstaltungen wie KINDERKUNSTNACHT, SCHIRN AT NIGHT, SCHIRN BOOKCLUB, FILMSCREENINGS, SATURDAY BEFORE CLOSING sowie EXPERT*INNENFÜHRUNGEN zur Ausstellung waren ebenso wie alle öffentlichen Führungen ausgebucht. Insgesamt wurden über die gesamte Laufzeit der Ausstellung knapp 1000 Führungen und Veranstaltungen durchgeführt. Neben einer großen Anzahl individueller Buchungen nahmen rund 300 Schulklassen an Führungen durch die Ausstellung teil, knapp die Hälfte in Verbindung mit einem praktischen Workshop. Für die individuelle Nutzung bot die Schirn digitale und analoge Vermittlungsformate an, die den Besuch der Ausstellung begleiteten. Der online und in der Schirn angebotene Audioguide erreichte über 65.000 Nutzer*innen, das kostenfreie Digitorial® über 36.000. Der Film zur Ausstellung wurde allein auf YouTube rund 18.000 Mal aufgerufen. Und das SCHIRN MAGAZIN bot mit dem PODCAST „Niki de Saint Phalle. Ich wollte die Welt“ sowie weiterführenden Artikeln Einblicke und Hintergründe zu Werken und Themen der Ausstellung.

Die Ausstellung „Niki de Saint Phalle“ wurde gefördert durch die Dr. Marschner Stiftung.

DIE AUSSTELLUNG „NIKI DE SAINT PHALLE“

Die umfangreiche Überblicksausstellung in der Schirn beleuchtete das künstlerische Spektrum von Niki de Saint Phalle (1930–2002) von den frühen Gemälden bis hin zu ihren großformatigen Skulpturen. Als eine der Hauptvertreterinnen der europäischen Pop-Art und Mitbegründerin des Happenings zählt sie zu den bekanntesten Künstlerinnen ihrer Generation. In den fünf Jahrzehnten ihres künstlerischen Schaffens entwickelte de Saint Phalle eine unverwechselbare Formensprache und ein facettenreiches Werk. Die Nanas, ihre bunten, großformatigen Frauenskulpturen, begründeten ihren internationalen Erfolg und gelten bis heute als ihr Markenzeichen. Doch reicht das künstlerische Spektrum der Autodidaktin weit darüber hinaus. Sie wechselte Techniken, Themen und Arbeitsweisen und schuf ein ebenso ambivalentes wie subversives Werk voller Freude und Brutalität, Humor und Eigensinn. Immer wieder artikulierte die Künstlerin in ihrem Schaffen ein Plädoyer für die Frau und das Feminine. Sie kritisierte Institutionen und Rollenbilder und verhandelte in ihrem Werk soziale und politische Themen.

Eine Ausstellung in Kooperation mit dem Kunsthaus Zürich.

DIE NÄCHSTEN AUSSTELLUNGEN IN DER SCHIRN
Plastic World (22. Juni – 1. Oktober 2023)
Martha Rosler (6. Juli – 24. September 2023)
Maruša Sagadin (21. September 2023 – 14. Januar 2024)
Lyonel Feininger (27. Oktober 2023 – 18. Februar 2024)
John Akomfrah (9. November 2023 – 28. Januar 2024)
Informationen sowie Pressebilder zum Ausstellungsprogramm der Schirn im Jahr 2023 unter schirn.de/presse.

KATALOG 

Niki de Saint Phalle, herausgegeben von Zürcher Kunstgesellschaft / Kunsthaus Zürich und Schirn Kunsthalle Frankfurt, mit Beiträgen von Rhiannon Ash, Christoph Becker, Monster Chetwynd, Bice Curiger, Katharina Dohm, Sandra Gianfreda, Margrit Hahnloser-Ingold, Cathérine Hug, Seppi Imhof, Mickry 3, Shana Moulton, Nicolas Party und Laure Prouvost sowie einem Vorwort des Direktors der Schirn Kunsthalle Frankfurt Sebastian Baden, deutsche und englische Ausgabe, 207 Seiten, 195 Abbildungen, 23,5 × 29 cm, Softcover, Klappenbroschur, Hatje Cantz Verlag, ISBN 978-3-7757-5299-2 (deutsche Ausgabe), 978-3-7757-5300-5 (englische Ausgabe), in der Schirn ausverkauft, 44 € (Buchhandel)

BOOKCLUB EDITION #3 

Die kleinen Bookclub-Editionen verbinden Kunst und Literatur und laden dazu ein, Themen rund um die Ausstellungen der Schirn anhand ausgewählter Texte zu vertiefen. Die begleitende Edition #3 zur Ausstellung „Niki de Saint Phalle“ ist ausverkauft.

DIGITORIAL® Zur Ausstellung bot die Schirn ein Digitorial® an. Das kostenfreie digitale Vermittlungsangebot ist in deutscher sowie englischer Sprache weiterhin abrufbar unter schirn.de/digitorial/niki.

AUDIOGUIDE Der kostenlose Audioguide, gesprochen von Joy Denalane, erläuterte die wichtigsten Werke der Ausstellung. Denalane hat als facettenreiche Musikerin den deutschsprachigen Soul international bekannt gemacht und engagiert sich ebenso wie Niki de Saint Phalle im Kampf gegen AIDS. Eine zweite Ebene führte in Einfacher Sprache durch die Ausstellung.

PODCAST „NIKI DE SAINT PHALLE. ICH WOLLTE DIE WELT“ Drei Frauen blicken auf Niki de Saint Phalle: Was macht das vielseitige Werk der provokanten Künstlerin heute noch gesellschaftlich relevant? Im Schirn Podcast spricht Julia Korbik mit Schirn Kuratorin Katharina Dohm über die politische Seite Niki de Saint Phalles. Mit Sonja Eismann, Mitbegründerin und Mitherausgeberin des feministischen Missy Magazine, diskutiert sie Körper- und Rollenbilder im Werk der Künstlerin im Kontext zeitgenössischer feministischer Diskurse.

Abrufbar auf dem SCHIRN MAGAZIN (schirn.de/magazin/podcasts) sowie auf Spotify, Apple Podcasts, Deezer, Google Podcasts und Soundcloud.­

Plastik ist überall. Es durchdringt die Gegenwart, ist billig, nahezu weltweit verfügbar und im Alltag omnipräsent. Ob hart oder flexibel, transparent, opak, gemustert, glatt, zart oder bunt, aus Kunststoffen können heute beinahe alle Dinge hergestellt werden. In den 1950er-Jahren feierten sie ihren großen Durchbruch und wurden zum Symptom und Symbol der Massenkultur – das „Plastic Age“ war geboren. Und auch in die Kunst hielten Kunststoffe aufgrund ihrer immensen gestalterischen Möglichkeiten früh Einzug, sie wurden schnell zu einem zentralen Material und Vehikel der Innovation. Auf der Suche nach dem Neuen wurde mit den jeweils aktuell verfügbaren Stoffen wie Plexiglas, Styropor, Silikon, Vinyl oder Polyurethan und industriellen Fertigungstechniken experimentiert. Dabei feierte die Pop Art im Konsumrausch der Zeit das neue künstliche und günstige Material in seiner bunten Brillanz und seinen leuchtenden Farben. Plastik wurde in fantastisch anmutenden Räumen und Environments genutzt oder bei Happenings aufgepumpt, geschäumt und gegossen. Die Faszination für Weltraumforschung, Mondlandung und High-Tech-Materialien beflügelte die bildende Kunst ebenso wie die Architektur zu luftigen Konstruktionen und progressiven Raumkonzepten. Gleichzeitig gab es neben den minimalistischen Arbeiten der Finish Fetish Artists schon Ende der 1960er-Jahre Akkumulationen von Trash, die die Exzesse des Massenkonsums und die ökologische Dimension von Plastik in den Blick nahmen. Diese Perspektive wird heute angesichts der enormen Verbreitung von Kunststoffen und der Belastung der Umwelt in künstlerischen Arbeiten vermehrt aufgegriffen.

„Plastic World“ versammelt 100 Werke von über 50 internationalen Künstler*innen, die auf unterschiedlichste Weise mit Kunststoff arbeiten, darunter Monira Al Qadiri, Archigram, Arman, César, Christo, Haus-Rucker-Co, Eva Hesse, Hans Hollein, Craig Kauffman, Kiki Kogelnik, Gino Marotta, James Rosenquist, Pascale Marthine Tayou und Pınar Yoldaş. Die Ausstellung macht deutlich, wie sich der erfolgreiche vielseitige Werkstoff Plastik in seiner kurzen Geschichte vom Inbegriff für Fortschritt, Modernität, utopischen Geist und Demokratisierung des Konsums zu einer Bedrohung für die Umwelt wandelte.

Die Ausstellung „Plastic World“ wird gefördert durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

Dr. Sebastian Baden, Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt:  „Mit ‚Plastic World‘ präsentiert die Schirn einen bislang einmaligen und längst überfälligen Überblick über die Verwendung synthetischer Stoffe in der bildenden Kunst. Schnell eroberte das vielseitige Material in Skulpturen und in der Architektur den dreidimensionalen, physischen Raum. Diese Geschichte des Plastikzeitalters zeugt von Innovationsfreude und Kreativität. Aus ökologischer Perspektive entfaltet Plastik aktuell eine besondere Dringlichkeit, es ist bis heute allgegenwärtig in der Massenkultur. Unsere Ausstellung weist weit über rein ästhetische und formale Aspekte hinaus. Vielmehr lädt sie zu einer kritischen Auseinandersetzung mit dieser prägenden Materialkultur ein.“

Dr. Martina Weinhart, die Kuratorin der Ausstellung, erläutert: „Plastik ist das emblematische Material unserer Gegenwart und hat in kürzester Zeit Kunst und Gesellschaft radikal verändert. Was sich inzwischen als enorme Belastung für die Umwelt herausgestellt hat, bedeutete für die Kunst, wie für Architektur und Design, eine ebensolche Bereicherung. Der Blick auf die überaus reiche Materialgeschichte von Plastik eröffnet eine Erzählung voller Ambivalenzen: von zukunftsorientierter Innovationskraft und verführerisch anmutigen Objekten; von den schädlichen Auswirkungen, aber auch zur Frage nach neuen Wegen im Umgang mit diesem Material, das gekommen ist, um zu bleiben.“

KÜNSTLERISCHE POSITIONEN UND THEMEN DER AUSSTELLUNG

Die Ausstellung „Plastic World“ gliedert sich in einer Architektur von raumlaborberlin in sieben Themenbereiche.

Plastik wird in den 1960er-Jahren zu dem ikonischen Material der Pop Art und ist in Kunst und Design gleichermaßen beliebt. Fasziniert von der Konsumkultur und den Dingen des täglichen Lebens, baute etwa Claes Oldenburg Waschbecken, Eisbeutel oder Lichtschalter aus Vinyl. Öyvind Fahlströms persiflierte 1967 mit seiner raffinierten Umkodierung des Markenzeichens ESSO in LSD auf spielerische und provokante Weise die Logos der Werbung – und reflektierte nicht zuletzt die Allgegenwärtigkeit der Petrochemie. James Rosenquist, der als Maler von Werbeplakaten begonnen hatte, nutzte für seine raumgreifenden Motive wie Forest Ranger (1967) BoPET, einen reißfesten Polyesterfilm, der im Raum schwebend platziert gleichsam die Malerei erweitert. Omnipräsent ist in der männlich dominierten Kunstwelt dieser Zeit auch der Blick auf den weiblichen Körper, den Künstlerinnen wie Nicola L. oder Kiki Kogelnik konterkarierten. Für ihre Cut-outs wie Man with Ingredients (um 1970) schnitt Kogelnik die Konturen ihrer männlichen Künstlerkollegen aus, die ihr am Boden liegend dafür als Modelle dienten.

Mit der sprunghaften Verbreitung industrieller Werkstoffe erkundeten Künstler*innen im Umfeld der italienischen Arte Povera wie Gino Marotta in der zweiten Hälfte der 1960er-Jahre das Verhältnis von Natur und Künstlichkeit und unterliefen traditionelle Konzepte mimetischer Naturdarstellung. Aus Acrylglas fügte Marotta mit spielerischer Leichtigkeit sein künstliches Paradies Eden Artificiale (1967–1973) zusammen, eine modulare und keimfreie Nicht-Natur. Das genaue Gegenteil ist die ästhetische Strategie des Arte-Povera-Künstlers und Umweltaktivisten Piero Gilardi, der mit seinen Tappeti Ausschnitte aus der Natur nachbildete. Sie bestehen aus Polyurethanschaum, erscheinen täuschend echt und sind mit dem bloßen Auge kaum als künstlich zu enttarnen. In perfekter Mimikry verweisen sein artifizieller Strand Spiaggia (1979) oder der synthetische Dschungel Palmeto (1987) nicht zuletzt auf umweltpolitische Probleme.

Auch der deutsche Künstler Otto Piene verband moderne Technik und Natur. In einem begehbaren Environment von rund 160 Quadratmetern präsentiert die Schirn eine Neuauflage von Anemones: An Air Aquarium (1976/2023). Zehn riesige, bis zu acht Meter große, aufblasbare und durchsichtige Seeanemonen sowie andere Seewesen machen Unterwasserwelten erlebbar. Die zu ihrer Entstehungszeit poetische und spielerische Dimension der Arbeit wird heute durch das Wissen um die Verschmutzung der Meere durch (Mikro)plastik überlagert.

Weltraumforschung, Raumfahrttechnologie und nicht zuletzt die Mondlandung selbst hinterließen einen tiefen Eindruck in der Popkultur, dem Design und dem utopischen Geist der 1960er-Jahre. Das künstlerische Schaffen und die experimentellen Architekturen des Space Age sind bestimmt von Schwerelosigkeit, Mobilität, Flexibilität und nicht zuletzt dem Arbeiten im Kollektiv. Bei visionären Modellen wie der Klimakapsel Air Hab (1966) von Archigram geht es um die Idee, nicht um die Ausführung. Die assoziativen Bildmontagen mit einer gewisse Nähe zur Pop Art wie etwa Instant City, Glamour (1969), publizierte die britische Gruppe ab 1961 im Magazin Archigram. In Österreich öffneten Coop Himmelb(l)au und Hans Hollein mit temporären Architekturen neue Wege der Wahrnehmung und Kommunikation. Holleins aufblasbares Mobiles Büro (1969), eine bewegliche Raumhülle aus Kunststoff, verspricht eine neue Körpererfahrung im urbanen Raum. Wegweisend in der Reihe innovativer Entwürfe und bekannt für seine geodätischen Kuppeln war auch der US-Amerikaner Richard Buckminster Fuller, der ein systematisches Zusammenwirken von Technik und sozialen Aspekten unter Verwendung von neuen Materialien untersuchte.

Die vielseitigen Form- und Gestaltungsmöglichkeiten der stetig wachsenden Familie der Kunststoffe regten Künstler*innen seit Mitte der 1960er-Jahre zu einer enormen Experimentierfreude an. Der französische Bildhauer César etwa realisierte Happenings mit Polyurethanschaum, den er fassweise über den Boden laufen und ein Eigenleben entwickeln ließ. Neben den in freie Formen gegossenen Expansions experimentierte er u. a. mit Methacrylat, das er zu einer Compression (1970) faltete. Lynda Benglis arbeitete mit Latex und Polyurethanschaum und nutzte das Konzept der performativen Schüttung bei ihrer Werkgruppe Frozen Gestures, um aus der Interaktion ihres Körpers mit dem Material Kunstwerke wie Untitled (1969) entstehen zu lassen. In ihrer Bereitschaft, gänzlich neue Wege zu gehen, verlieh Eva Hesse ihren Arbeiten wie etwa Sans II (1968) durch innovative Arbeitsmethoden und Materialien wie Glasfaser und Polyesterharz einen fragilen und ephemeren Charakter. Heute hat sich die Palette der Werkstoffe vervielfacht. Das Frankfurter Künstlerinnenkollektiv HazMatLab (Sandra Havlicek, Tina Kohlmann und Katharina Schücke) nutzt für seine kreative Materialforschung ungewöhnliche Substanzen wie synthetischen Schleim, industrielle Nagellacke, aber auch das 3D-Druck-Verfahren wie in der Skulptur Coral Cluster (2021/22).

Die plakative Künstlichkeit, die glatte Oberfläche und die leuchtende bis zarte Farbigkeit von Plastik inspirierten im Kalifornien der späten 1960er-Jahre auch die sogenannten Finish Fetish Artists wie Craig Kauffman. Seine minimalistischen Objekte aus transluzenten und transparenten Materialien erhalten durch ihre perfekten, glänzenden, beinahe feucht schimmernden Oberflächen eine nahezu sensuelle Qualität. Die makellose Glätte ihrer Oberflächen zeichnet auch die Skulpturen von Berta Fischer aus, die wie Nironimox (2023) in Transparenz und Leichtigkeit im Raum schweben. Der amerikanische Objektkünstler Paul Thek schließlich konfrontiert in seinen Technological Reliquaries spannungsreich die organische Textur eines eingeschlossenen verrottenden Fleischstücks aus Wachs mit der Glätte des umschließenden schrillen neonfarbenen Behälters aus Plastik in scheinbar unvergänglicher Künstlichkeit.

Bereits in den 1960er-Jahren interessierten sich Künstler des Nouveau Réalisme wie Arman weniger für das glatte, schöne Material als für das, was am Ende übrigbleibt. In seinen Poubelles (Mülleimern) aus Acrylglas häufte Arman das Abfall-Sammelsurium seiner Zeit an. Mit Accumulation rasoirs (pour Ben) (1960), einem Kasten voller alter Rasierapparate, verweist er kritisch auf die Plastikbegeisterung der Popkultur. Auch Christo wechselte die Perspektive und enthüllte die Mechanismen der Konsumgesellschaft, indem er wie in der frühen Arbeit Look (um 1965) die Gewichtung zwischen Inhalt und Verpackung austauscht und letztere zum Hauptakteur seiner Kunst macht. Plastikmüll steht auch im Mittelpunkt jüngerer Arbeiten wie in Francis Alÿs’ Film Barrenderos (2004), der Straßenkehrer bei der nächtlichen Beseitigung von Bergen von Plastikabfällen in Mexico City zeigt. Die großformatigen Materialcollagen des äthiopischen Künstlers Elias Sime offenbaren bei näherer Betrachtung, dass sie aus Zivilisationsabfall wie Elektroschrott, Computerplatinen aus Kunststoff oder plastikummantelten Kabeln zusammengebaut wurden, der sich zu einer besonderen Kartografie unserer Gegenwart zusammenfügt.

Der mit der fortschreitenden Ausbreitung von Plastik und der Bedrohung der Umwelt einhergehende nachhaltige Mentalitätswandel der Gesellschaft spiegelt sich in ökokritischen Werken einer jüngeren Künstler*innengeneration wider. Monira Al Qadiri befasst sich in ihrem Werk mit der Dominanz der Ölindustrie, die ihr seit ihrer Kindheit in Kuwait vertraut ist. Sie nimmt unterschiedliche Formen von Ölbohrköpfen zum Vorbild für Skulpturen wie Orbital 1 (2022), die mit ihrer irisierenden, perlmuttähnlichen Oberfläche wie majestätische Kronen und Trophäen des Anthropozäns erscheinen. Der dänische Künstler Tue Greenfort wirft in seiner jüngsten Arbeit Fungi Decomposition (2023) den Blick auf einen Pilz mit dem Namen Pestalotiopsis microspora, der im Amazonas-Regenwald entdeckt wurde und in der Lage ist, Plastik zu verstoffwechseln und in organisches Material umzuwandeln.

Im Außenraum präsentiert die Schirn eine monumentale Installation von Pascale Marthine Tayou. Der in Belgien lebende Künstler aus dem Kamerun verwendet in seinen Arbeiten u. a. Plastikeimer, die in L’arbre à palabres (2012/2023) die Krone eines verstörend schönen künstlichen Baumes formen. Seine Arbeit verweist plakativ auf den üblichen massenhaften Gebrauch des günstigen Materials (nicht nur) in Afrika und liefert zugleich einen Kommentar über den Zustand unserer Ökosysteme.

Im Rahmen der Ausstellung „Plastic World“ ist im Senckenberg Museum An Ecosystem of Excess (seit 2014) der Künstlerin und Wissenschaftlerin Pınar Yoldaş zu sehen. Im Zentrum ihrer Arbeit stehen die Ozeane – einstmals Ursprung der Evolution und heute stark von Plastik durchseucht. Ausgehend vom Pacific Garbage Patch kreiert Yoldaş ein posthumanes Ökosystem. Es umfasst „spekulative Wesen“, die Kunststoffe verstoffwechseln.
Eine Kooperation der Schirn Kunsthalle Frankfurt mit dem Senckenberg Museum.

ALLE KÜNSTLER*INNEN DER AUSSTELLUNG
Raimund Abraham, Monira Al Qadiri, Francis Alÿs, John de Andrea, Ant Farm, Archigram, Arman, Richard Artschwager, Evelyne Axell, Joachim Bandau, Thomas Bayrle, Lynda Benglis, Lourdes Castro, César, Christo, Constant, Coop Himmelb(l)au, Wolfgang Döring, Öyvind Fahlström, Berta Fischer, Richard Buckminster Fuller, Piero Gilardi, Tue Greenfort, Hans Haacke, Richard Hamilton, Haus-Rucker-Co, HazMatLab, Eva Hesse, Gerhard Hoehme, Hans Hollein, Alain Jacquet, Craig Kauffman, Mike Kelley, Kiki Kogelnik, Nicola L., Konrad Lueg, Gino Marotta, Claes Oldenburg, Walter Pichler, Otto Piene, Bernard Rancillac, James Rosenquist, Niki de Saint Phalle, Dennis Siering, Elias Sime, Ferdinand Spindel, Graham Stevens, Alina Szapocznikow, Pascale Marthine Tayou, Paul Thek, Tom Wesselmann, Pınar Yoldaş

KATALOG PLASTIC WORLD, herausgegeben von Martina Weinhart, mit Beiträgen von Heather Davis, Anna Huber, Dietmar Rübel, Pamela Voigt, Friederike Waentig und Martina Weinhart, sowie einem Vorwort des Direktors der Schirn Kunsthalle Frankfurt Sebastian Baden, deutsch-englische Ausgabe, 256 Seiten, ca. 190 Abbildungen, 22 × 28 cm, Hardcover, Hatje Cantz Verlag, ISBN 978-3-7757-5467-5, 39 € (Schirn), 48 € (Buchhandel)

SUMMER PARTY UND ERÖFFNUNG Die Schirn lädt am Mittwoch, dem 21. Juni 2023, ab 19 Uhr zum großen Sommerfest und zur Eröffnung der Ausstellung ein. Die Ausstellung „Plastic World“ ist bis 22 Uhr geöffnet. Dazu gibt es Live-Musik von Rapper*in, DJ und Performer*in Perra Inmunda und DJ Soyklō. Eintritt frei­ORT SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, Römerberg, 60311 Frankfurt am Main DAUER 22. Juni – 1. Oktober 2023 INFORMATION www.schirn.de E-MAIL welcome@schirn.de TELEFON +49.69.29 98 82-0 TICKETS im Onlineshop der Schirn und an der Schirn Kasse TICKETS im Onlineshop der Schirn und an der Schirn Kasse EINTRITT 12 €, ermäßigt 8 €, freier Eintritt für Kinder unter 8 Jahren FÜHRUNGEN BUCHEN Individuelle Führungen für Gruppen sind ab sofort buchbar unter fuehrungen@schirn.de INFORMATIONEN ZUM BESUCH Alle Informationen zum Besuch unter www.schirn.de/besuch/faq KURATORIN Dr. Martina Weinhart, Schirn KURATORISCHE ASSISTENZ Anna Huber MEDIENPARTNER VGF KULTURPARTNER HR2 GEFÖRDERT DURCH Kulturfonds Frankfurt RheinMain

An zwei weiteren Abenden findet die SOUNDLOUNGE mit einem Live-Programm und Drinks in der Ausstellung statt. Am Mittwoch, dem 10. Mai, gibt es eine musikalische Performance von Lonely Boys, einem Projekt der Künstlerinnen Daphne Ahlers und Rosa Rendl. Am Mittwoch, dem 24. Mai, bietet die Londoner Dichterin und Künstlerin Ella Friers eine lyrische Performance dar. Eine Bar versorgt das Publikum mit Drinks und Kunstvermittlerinnen und -vermittler beantworten Fragen rund um die Werke der Ausstellung.
Als regelmäßiges Angebot in der Ausstellung geben ASK ME Kunstvermittlerinnen und -vermittler immer mittwochs von 19 bis 21 Uhr, donnerstags von 18 bis 20 Uhr und samstags von 16 bis 18 Uhr im persönlichen Gespräch Informationen zu den Werken und diskutieren Fragen zur Kunst. Zudem gibt es an den Tagen mit langen Öffnungszeiten bis 22 Uhr jeden Mittwoch und Donnerstag zur DATE NIGHT ab 18 Uhr zwei Tickets zum Preis von einem.
 
DIE AUSSTELLUNG
Noch bis 29. Mai 2023 präsentiert die Schirn neue und erstmals in Deutschland gezeigte Werke von Elizabeth Price (*1966) in einer großen Einzelausstellung. Den Bewegtbild-Arbeiten der Turner-Preisträgerin liegt eine konzeptuelle Arbeitsweise zugrunde. Jedes ihrer Videos basiert auf akribischer Recherche, auf der umfassenden Sichtung von Archiven und Materialsammlungen. Aus Kunstgegenständen und Dokumenten von historischen Ereignissen entwickelt Price im Zuge ihrer digitalen Aneignung neue Erzählungen. Anfangs mit PowerPoint, heute mit einem professionellen Videobearbeitungsprogramm, erstellt die Künstlerin Bewegtbild-Filme, die Fotografien, Archivmaterialien, Dokumente, Text, Grafik, Animation und Sound zu neuen Zusammenhängen verbinden. Eine wesentliche Rolle spielt das Klangerlebnis im Raum. Über die akustische Atmosphäre eines technisch-synthetischen Voice-Overs entsteht die sicht- und hörbare Erzählung. Prices Videos werfen Fragen zu Macht, Geschlecht, Wert und Sprache auf und verorten sie im geteilten Raum von Technologie und Kultur. Die Schirn zeigt zwei raumgreifende Installationen mit je zwei korrespondierenden Videoarbeiten: A RESTORATION (2016) und FELT TIP (2018) sowie UNDERFOOT (2022) und NIGHT OF THE WORLD (2023). Zudem sind vier Videovorträge zu sehen, die Einblicke in den Arbeitsprozess der Künstlerin geben.
 
Die Ausstellung „Elizabeth Price. Sound of the Break“ wird durch den Verein der Freunde der Schirn Kunsthalle e.V. gefördert mit zusätzlicher Unterstützung von British Council.
 
VERANSTALTUNGS- UND VERMITTLUNGSPROGRAMM
 
ARTIST TALK
Dienstag, 16. Mai 2023, 19.30 Uhr
Die Künstlerin Elizabeth Price und Schirn Kurator Matthias Ulrich sprechen über die Werke und das Konzept der Schau.
Dauer: ca. 60-90 Minuten, in der Ausstellung, Eintritt frei, Teilnehmerzahl begrenzt, Reservierung im Onlineshop unter schirn.de/shop, Resttickets an der Schirn Kasse am Veranstaltungstag
 
SOUNDLOUNGE MIT MUSIKALISCHER PERFORMANCE VON LONELY BOYS
Mittwoch, 10. Mai 2023, 20 Uhr
In der Ausstellung findet eine musikalische Performance von Lonely Boys statt, dazu werden Drinks an einer Bar angeboten. Den Besucherinnen und Besuchern stehen an dem Abend zudem Kunstvermittlerinnen und -vermittler Rede und Antwort zu den Arbeiten von Elizabeth Price.

Lonely Boys ist ein gemeinsames Projekt der Künstlerinnen Daphne Ahlers und Rosa Rendl, die in Berlin und Wien leben. Ihre Musik ist ein zartes, mystisches und kraftvolles Elixier aus elektronischem Pop, das sich gegen begrenzte Vorstellungen von Weiblichkeit auflehnt, indem es ihre nicht fixierte Natur zurückfordert.

Tickets im Onlineshop unter schirn.de/shop oder an der Schirn Kasse am Veranstaltungstag: 10 € inkl. Eintritt, es gilt 2 for 1 (das zweite Ticket wird kostenfrei an der Schirn Kasse ausgestellt)
 
SOUNDLOUNGE MIT LYRISCHER PERFORMANCE VON ELLA FREARS
Mittwoch, 24. Mai 2023, 20 Uhr
In der Ausstellung findet eine lyrische Performance von Ella Frears statt, dazu werden Drinks an einer Bar angeboten. Den Besucherinnen und Besuchern stehen an dem Abend zudem Kunstvermittlerinnen und -vermittler Rede und Antwort zu den Arbeiten von Elizabeth Price.

Ella Frears ist eine in London lebende Dichterin und Künstlerin. Ihre Debütsammlung Shine, Darling (2020) wurde von der Poetry Book Society empfohlen und stand auf der Shortlist für den Forward Prize for Best First Collection und den T. S. Eliot Prize for Poetry. Ihre jüngste Veröffentlichung I AM THE MOTHER CAT erschien 2021.

Tickets im Onlineshop unter schirn.de/shop oder an der Schirn Kasse am Veranstaltungstag: 10 € inkl. Eintritt, es gilt 2 for 1 (das zweite Ticket wird kostenfrei an der Schirn Kasse ausgestellt)
 
„ASK ME“ IN DER AUSSTELLUNG
Mittwochs, 19–21 Uhr, donnerstags, 18–20 Uhr und samstags, 16–18 Uhr
In der Ausstellung geben anwesende Kunstvermittlerinnen und -vermittler dem Publikum im persönlichen Gespräch Informationen zu den Werken und dem Konzept der Schau und diskutieren Fragen zur Kunst.
Kostenfrei, keine Anmeldung erforderlich
 
DATE NIGHT
Jeden Mittwoch und Donnerstag, ab 18 Uhr
Jeden Mittwoch und Donnerstag gibt es ab 18 Uhr zwei Eintrittstickets in die Ausstellung „Elizabeth Price. SOUND OF THE BREAK“ zum Preis von einem.­

ORT SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT, Römerberg, 60311 Frankfurt am Main DAUER 23. März – 29. Mai 2023 INFORMATION schirn.de E-MAIL welcome@schirn.de TELEFON +49.69.29 98 82-0 TICKETS im Onlineshop der Schirn und an der Schirn Kasse EINTRITT AUSSTELLUNG 10 €, ermäßigt 8 €, freier Eintritt für Kinder unter 8 Jahren FÜHRUNGEN BUCHEN Individuelle Führungen für Gruppen sind buchbar unter fuehrungen@schirn.de INFORMATIONEN ZUM BESUCH Alle Informationen zum Besuch unter schirn.de/besuch/faq KURATOR Matthias Ulrich, Schirn Kunsthalle Frankfurt KURATORISCHE ASSISTENZ Marie Oucherif GEFÖRDERT DURCH Verein der Freunde der Schirn Kunsthalle e.V. ZUSÄTZLICHE UNTERSTÜTZUNG British Council TECHNIKPARTNER Samsung Electronics­

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